Se trata del primer músico de jazz originario de Europa que ejerció una influencia similar a la de los grandes artistas estadounidenses. Su música es el resultado de la fusión entre el swing y la tradición musical gitana del este europeo, lo que se conoce en inglés con el nombre de Gypsy jazz y en francés como Jazz manouche (Jazz gitano).
Reinhardt revoluciona el toque de guitarra en el jazz, justamente antes de que se empezara a utilizar la amplificación. Sobre la base de un contrabajo, de dos guitarras rítmicas y del habitual violín de Stéphane Grappelli, Django desarrolla una música alegre y extraordinariamente flexible. Sus conceptos armónicos fueron sorprendentes en su época y así impresionó a músicos como Charlie Christian y Les Paul; además, su influencia sobre el swing fue decisiva para la decantación de una línea de este (el Western swing) en la música country.
Aunque no sabía leer música, a solas y junto a Grappélli, Reinhardt compuso varias melodías sumamente originales y exitosas como «Daphne», «Nuages», «Manoir de Mes Rêves», «Minor Swing» y la oda a su compañía discográfica de los años treinta «Stomping at Decca».
Biografía
Jean, apodado «Django», creció en un campamento gitano situado a las afueras de París, al lado de las fortificaciones que la rodeaban, a donde se había trasladado su tribu materna cuando tenía ocho años, absorbiendo la raíz gitanaque luego se mostraría en su música.
Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. Cuando tenía doce años consiguió su primer instrumento, un banjo que le regaló un vecino enterado de su interés prematuro por la música. Aprendió rápidamente a tocarlo, copiando la digitación de los músicos que podía observar. Asombró pronto a los adultos con su habilidad con la guitarra y, antes de los trece años, empezó su carrera musical con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Tocaría también con otras bandas y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Dado que Django no sabía ni leer ni escribir en esa época, su nombre apareció como «Jiango Renard» en esas grabaciones.
El 26 de octubre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.
En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.
De acuerdo con algunas fuentes, fue durante su período de recuperación cuando Django se introdujo en el jazz americano, cuando encontró un disco de Louis Armstrong, Dallas Blues, en un mercado originario de Nueva Orleans. Estuvo trabajando en los cafés parisinos hasta que en 1934 el jefe del Hot Club, Pierre Nourry, le propuso la idea de formar una banda de cuerdas en la que estarían él y Grappélli. Así nació el Quintet of the Hot Club of France, que rápidamente se hizo famoso en todo el mundo gracias a sus grabaciones para Ultraphone, Decca y HMV.
El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 disolvió el grupo, quedando Grappelli en Londres con el resto de los músicos y con Django regresando a Francia. Durante los años de la guerra lideró una big band, otro quinteto con el clarinetista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, y tras la liberación de París, grabó con músicos estadounidenses que llegaban de visita a Francia como Mel Powell, Peanuts Hucko y Ray McKinley. En 1946 Reinhardt comenzó a practicar con la guitarra eléctrica y realizó una gira por Estados Unidos como solista con la orquesta de Duke Ellington, aunque no obtuvo gran éxito. Algunas de sus grabaciones con la guitarra eléctrica en los últimos años de su vida son incursiones en el bop que suenan frenéticas en comparación con el alegre swing de sus inicios. Sin embargo, a partir de enero de 1946, Reinhardt y Grappelli llevaron a cabo varias reuniones esporádicas donde las influencias bop están más sutilmente integradas en el antiguo formato swing.
Aprendió a tocar la guitarra de forma autodidacta hacia 1943, después de escuchar a Charlie Christian, y unos meses después comienza a tocar en el Club 440 de su ciudad natal, así como con orquestas locales. Durante varios años, toca con la banda de sus hermanos Buddy y Monk, llamada The Montgomery Brothers, hasta que es llamado por Lionel Hampton, con quien toca entre 1948 y 1950. Tras esa etapa, regresó a su ciudad natal y se sumió en un semi-retiro que le duró seis años, trabajando de día en una fábrica de piezas de radio ajeno al mundo de la música, y tocando por las noches en clubes, sobre todo en el Turf Bar.
Entre 1957 y 1959 realizó algunas actuaciones con sus hermanos, que habían formado un cuarteto denominado The Mastersounds, y se habían ubicado en la escena de la Costa Oeste aunque su primer disco lo firmarían, por problemas contractuales, con el viejo nombre de The Montgomery Brothers. Sería la intermediación de sus hermanos la que llevaría a Richard Bock, productor del sello discográficoPacific Jazz, a organizar una sesión de grabación con Wes y otros músicos jóvenes, entre los que se encontraba Freddie Hubbard, y que sería el primer disco de Wes como líder, y de Hubbard como músico:Fingerpicking (1957), con arreglos de Gerald Wilson y participación de sus hermanos y otros músicos. Al año siguiente, graba su primer disco en formato trío en el que estaban el organista Melvin Rhyne y el batería Paul Parker.
Los discos realizados para Riverside, entre 1959 y 1963 (The Complete Riverside Recordings, 12 CD), son sus trabajos más espontáneos, formando parte de grupos pequeños y acompañado de músicos como Tommy Flanagan, James Clay, Victor Feldman, Hank Jones, Johnny Griffin, y Mel Rhyne. Al desaparecer Riverside, Montgomery fichó por Verve, 1964-1966, para quien grabó varios discos orquestales con el arreglista Don Sebesky y el productor Creed Taylor, en los que realiza distintas aproximaciones al pop y soul. Trabajó también con el Wynton Kelly Trio y el organista Jimmy Smith. En 1967 Montgomery firmó con Creed Taylor para A&M y en dos años grabó tres discos muy exitosos, muy influidos por el pop. Críticos como Joachim E. Berendt entienden que Taylor ejerció una influencia excesiva en el sonido del guitarrista, impidiendo que desarrollara sus mejores posibilidades.
Se inició en el mundo de la música a través del piano, que utiliza todavía ocasionalmente durante la composición, para luego a la edad de 12 años pasarse a la guitarra. Inicialmente su modo de improvisar fue influido por guitarristas como Pat Metheny y John Scofield, pero sucesivamente ha emergido su estilo personal con un fraseo suelto y lineal, parecido al de músicos de los años 40 y 50 como Lennie Tristano. Su lenguaje musical y sus acordes son muy complejos y avanzados, inspirados también por artistas como George Van Eps y Ben Monder. Asistió a la Berklee School of Music durante dos años y medio antes de abandonarla para hacer giras con Gary Burton, por aquel entonces uno de los “grandes” del jazz. Seguidamente, se trasladó a Brooklyn donde continuó madurando y se convierte en uno de los guitarristas de más relieve de su generación tocando con The Human Feel, Paul Motian’s Electric Bebop Band, Joe Henderson Group, y el Brian Blade Fellowship.
En el 1995 recibió el premio “Composer’s Award” del National Endowment for the Arts y firma con Verve Records. Desde entonces ha tocado y registrado ya sea como líder o como acompañante con artistas del calibre de Mark Turner, Brad Mehldau, Joshua Redman, Chris Potter, Jeff Ballard, Eric Harland, Aaron Parks, Seamus Blake, Jason Lindner, Danilo Pérez, Aaron Goldberg y muchos otros.2 Su álbum de 2005, Deep Song (2005), tiene también la participación de Mehldau y Joshua Redman. Entre sus álbumes dignos de nota encontramos The Enemies of Energy, The Next Step y el más experimental Heartcore.
Originario de Filadelfia, Kurt Rosenwinkel actualmente reside con su mujer y sus dos hijos en Berlín y enseña en el Jazz Institute Berlin.
En el 2012 se ha publicado el doble álbum Star Of Jupiter, con Aaron Parks al piano, Eric Revis al contrabajo y Justin Faulkner a la batería.
En 2014 pone en marcha su último proyecto, el trío Bandit 65, formado por el propio Rosenwinkel, el también guitarrista Tim Motzer y el baterista Gintas Janusonis, que revisa algunos aspectos de la psicodelia de los años sesenta del siglo pasado. Un sorprendente paisaje sonoro creado con impactantes improvisaciones y algo de electrónica, jugando con la estética vibrante de la década prodigiosa.3
Estilo
El estilo de Kurt Rosenwinkel es profundamente heterogéneo. Se distingue por una notable técnica sobre el instrumento, el fraseo melódico y su enfoque a la armonía influenciado por artistas como George Van Eps, Tal Farlow, Lennie Tristano, John Coltrane hasta llegar a artistas modernos como Allan Holdsworth y Pat Metheny. Peculiar es su enfoque a la improvisación, que sigue cantando nota por nota (y no sólo un esbozo de la melodía). Es difícil sentir su guitarra libre de efectos y pedales, de los cuales hace un amplio uso y que traducen su constante investigación del sonido “ideal”. Su visión musical no queda limitada al mundo del jazz sino que va incorporando influencias Hip-Hop, Rock y clásicas.
Didáctica
Kurt Rosenwinkel es muy activo en el ámbito didáctico y, además de enseñar habitualmente, imparte con frecuencia seminarios y asesoramientos en todo el mundo y en particular en Europa.
Discografía
1996 – Kurt Rosenwinkel Trío – East Coast Love Affair – (Fresh Sound New Talent)
1998 – Kurt Rosenwinkel Quartet – Intuit – (Criss Cross)
1999 – Kurt Rosenwinkel – The Enemies of Energy – (Verve Records)
2000 – Kurt Rosenwinkel – The Next Step – (Verve Records)
2002 – Jakob Dinesen / Kurt Rosenwinkel – Everything Will Be Allright – (Verve Records)
2003 – Kurt Rosenwinkel – Heartcore – (Verve Records)
2005 – Kurt Rosenwinkel – Deep Song – (Verve Records)
2008 – Kurt Rosenwinkel – The Remedy – Live at the Village Vanguard – (Wommusic)
2009 – Kurt Rosenwinkel Estándares Trío – Reflections – (Wommusic)
2010 – Kurt Rosenwinkel and OJM – Our Secret World – (Wommusic)
2012 – Kurt Rosenwinkel – Star Of Jupiter – (Wommusic)
2017 – Caipi (Heartcore Records)
Colaborador
1994 – Human Feel – Scatter
1994 – Human Feel – Welcome To Malpesta
1995 – Human Feel – Speak To It
1995 – Once Blue – Once Blue
2000 – Ponga Quintet – Going To Meet The Man
2007 – Human Feel – Galore
2007 – Rebecca Martin – “The Growing Season”
Participaciones
1990 – Mimmo Cafiero Quintet – Moon and Twenty Five
